Por cualquier medio que sea necesario

Curada por Lonnie Holley
29 de abril – 10 de junio, 2023
Los Angeles

Recepción inaugural: sábado, 29 de abril, 5–7pm 

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Blum & Poe se complace en anunciar By Any Means Necessary/Por cualquier medio que sea necesario, una exposición curada por Lonnie Holley, artista afincado en Atlanta, y que presenta obras de Holley, Louisiana Bendolph, Hawkins Bolden, Joe Light, Ronald Lockett, Joe Minter, Rita Mae Pettway y Mary T. Smith. Esta presentación acompaña a la primera gran exposición en Los Ángeles centrada en la obra de Thornton Dial, íntimo amigo y colega de Holley, y rinde homenaje a las historias y pasiones que compartieron. Esta muestra se presenta junto con Lonnie Holley: If You Really Knew/Lonnie Holley: Si de verdad supieras en MOCA North Miami, la primera gran exposición de Holley en el Sur y en la que se muestran obras de este mismo grupo de artistas que él apoya, entre ellos Thornton Dial, Mary T. Smith y Hawkins Bolden. 

“Como artista, es un honor curar mi primera muestra seria con ocasión de la primera exposición en Los Angeles de mi querido amigo Thornton Dial.

Esta muestra, que también Incluye mi propia obra, es un tributo a algunas de las muchas voces que por tanto tiempo han gritado en la oscuridad. Todos los artistas representados aquí: Louisiana Bendolph, Hawkins Bolden, Joe Light, Ronald Lockett, Joe Minter, Rita Mae Pettway y Mary T. Smith, fueron o son queridos amigos míos y del Sr. Dial, y crearon obras de arte por los mismos motivos que lo hicimos nosotros: como testimonio de nuestras vidas y experiencias mientras crecíamos en la dura realidad del Sur. 

Todos usamos diferentes materiales o medios, basándonos en lo que teníamos a mano: los retazos de tela convertidos en colchas de parches por Louisiana Bendolph y su madre, y muchos otros de Gee's Bend, Alabama; los objectos encontrados que transformó Joe Minter, o la hojalata de viejos graneros que recicló Ronald Lockett convirtiéndolos en algo hermoso, todo lo usábamos nosotros en nuestra vida diaria. Tomamos algo que se había desechado y descartado y tratamos de darle un nuevo significado y propósito, lo mismo que tratamos de hacer con nuestras propias vidas. 

Dedico esta muestra a William Arnett, que tuvo la visión no sólo de apoyar a tantos artistas Afroamericanos, sino que también nos ayudó a aprender que éramos parte de algo mayor y que lo que hacíamos era verdaderamente importante".  

– Lonnie Holley, 2023 

Louisiana Bendolph (n. 1960, Gee's Bend, AL) es una artista de colchas estadounidense conocida por composiciones intrincadas de carácter casi arquitectónico o conceptual y de una sorprendente inventiva formal. El estilo de Bendolph, reconocible instantáneamente, ejemplifica cómo ha pasado toda la vida inmersa en las profundas estructuras del diseño y el patrón. Nacida y criada en Gee´s Bend, Alabama, aprendió su arte a los pies de muchas de sus ancestros femeninas, incluyendo a su madre (Rita Mae Pettway) y su abuela, que le transmitieron la tradición del bordado de colchas que existió durante generaciones en su comunidad, ahora de fama mundial. Bendolph trabaja también en otros medios, incluido un mural de cerámica de 9 x 16 pies comisionado en 2015 por el Aeropuerto Internacional de San Francisco. Sus colchas se han expuesto en todo el mundo y están en la colección permanente de muchos museos. Vive y trabaja en Mobile, AL. 

Hawkins Bolden (n. 1914, Memphis, TN; f. 2005, Memphis, TN) fue un escultor con objetos encontrados de Memphis, TN. Un accidente le dejó ciego en su infancia, sólo capaz de percibir la presencia de la luz, lo que acabó con sus sueños de ser jugador profesional de béisbol. De adulto, Bolden creaba "espantapájaros" antropomórficos para el jardín de su casa en el centro de la ciudad de Memphis. Estos objetos (él no usaba el término "arte") van desde formas mínimas, como máscaras, a grandes construcciones totémicas. Incorporan utensilios de cocina metálicos, herramientas de jardinería, muebles, materiales de construcción, electrodomésticos, componentes de máquinas y otra chatarra encontrada. Estas obras son aún más elaboradas incorporando mangueras, ropa, ramas de árboles de navidad artificial, pedazos de alfombra, piel de zapato, juguetes, y otros objetos variados, y están modeladas estratégicamente con perforaciones que sugieren rasgos faciales humanos como ojos y bocas. 

Lonnie Holley (n. 1950, Birmingham, AL) tiene su sede en Atlanta, GA. Las obras de Holley abarcan una variedad de medios, incluyendo escultura, dibujo, pintura, collage y digital, además de la actuación musical. Su estilo musical es también diverso, mezclado modismos del blues, jazz, palabra hablada, funk y folk. Su obra ha sido aclamada por la complejidad de su narrativa y su profundización en temas de raza, clase, justicia social, desastres medioambientales y el potencial transformativo del arte mismo. La obra de Holley ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales, incluyendo en el Museo de Arte Contemporáneo de North Miami, FL (2023), el Dallas Contemporary, Dallas, TX (2022), el Parrish Art Museum, Water Mill, NY (2021); el Centro de Arte Contemporáneo de Atlanta, Atlanta, GA (2017), el Instituto Halsey de Arte Contemporáneo, Charleston, SC (2015), El Museo de Arte de Birmingham, Birmingham, AL (2004) y muchos, muchos más. Su obra está representada en importantes colecciones públicas de todo el mundo, incluido el Museo de Arte del Condado de Los Angeles, Los Angeles, CA, el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY, el Museo Smithsoniano de Arte Estadounidense, Washington, D.C., el Museo Whitney de Arte Estadounidense, Nueva York, NY, entre muchos otros. 

Ronald Lockett (n. 1965, Bessemer, AL; f. 1988, Bessemer, AL) fue un artista visual estadounidense. Nacido y criado en Bessemer, AL, alcanzó la mayoría de edad después de que el movimiento de los derechos civiles hubiera transformado radicalmente el paisaje económico y político de los estadounidenses Negros y la región natal de Lockett, el sur de los EE.UU. La práctica artística de Lockett exploró a menudo la experiencia de la tardanza, es decir, de haber llegado demasiado tarde para participar en los hechos épicos y los logros históricos de la generación anterior. Su serie "Traps" (Trampas), por ejemplo, utiliza ciervos de cola blanca, una especie que ha logrado sobrevivir en medio del desarrollo y la invasión humana, como sustituto para él y sus compañeros Negros, cuyas vidas se sentían inmóviles ante fuerzas sociales mayores. Eventualmente, Lockett abandonó la pintura representativa casi en su totalidad para dedicarse a las composiciones con hojalata cortada, un proceso singular que desarrolló hurgando en el entorno postindustrial de su barrio en Bessemer. Lockett murió en 1988 de complicaciones del SIDA. 

Joe Light (n. 1934, Dyersburg, TN; f. 2005, Memphis, TN) fue un pintor y artista de ensamblaje estadounidense que ejerció en Memphis, TN. El arte de Light combina elementos tomados de toda la cultura popular, especialmente cómics y dibujos animados, junto a una deuda con los géneros del bodegón y el paisajismo, con una fuerte afinidad por las vistas del desierto del suroeste de Estados Unidos. Light encontró muchas de sus influencias durante el tiempo que se dedicó al comercio de objetos en mercados de pulgas, donde compraba y vendía de todo, desde kitsch producido en masa hasta reproducciones de cuadros famosos de la tradición occidental. Al final, inventó un lenguaje visual en toda regla para expresar sus creencias religiosas y morales utilizando una iconografía personal que incluye flores, montañas, ríos, pájaros, glifos abstractos, varios alter egos, y señales. Las creencias filosóficas de Light tomaron forma en la década de 1960, durante un periodo de encarcelamiento en el que se convirtió al judaísmo, especialmente los textos y principios del viejo testamento, independientemente de la religión formal, a través de los cuales descubrió una orientación para navegar los desafíos de la vida como hombre Negro en el mundo moderno estadounidense. Los cuadros de Light están en la colección permanente del Museo Metropolitano de Arte y la Galería Nacional de Arte, Washington D.C., entre otros. 

Joe Minter (n. 1943, Birmingham, AL) es un pintor y escultor estadounidense con sede en Birmingham, AL, mejor conocido por un amplio espacio de arte al aire libre que llama "Pueblo africano en Estados Unidos". En 1989, Minter empezó a construir un jardín de esculturas junto al cementerio donde están enterrados los miembros de su familia como recordatorio a lo que él llama los "soldados de a pie" del movimiento de los derechos civiles, sus agentes de cambio no anunciados. En décadas posteriores su visión se ha ampliado para enfrentar temas de derechos humanos y justicia medioambiental a nivel internacional. El estilo característico de Minter mezcla el ensamblaje de objetos encontrados y chatarra soldada, acompañado a menudo de textos pintados a mano y pinturas audaces y vívidas. Con ingenio y optimismo, sus obras juegan con comentarios políticos mordaces y un profundo amor por el mundo natural, todo inspirado en su visión afrocéntrica del mundo. La obra de Minter se encuentra en las colecciones permanentes de museos de todos los Estados Unidos. 

Rita Mae Pettway (n. 1941, Gee's Bend, AL) es una artista de colchas de Gee´s Bend, AL. Desde los cuatro años de edad, tras la muerte de su madre, Pettway se crio con sus abuelos y tías, que le enseñaron a hacer colchas. Su abuela Annie E. Pettway produjo durante la época de la Gran Depresión, algunas de las colchas de Gee´s Bent más importantes que han sobrevivido y fue una mentora artística crucial para Rita Mae. Se dice que Annie era exigente con la técnica y el trabajo artesanal, pero tenía una actitud abierta y libre hacia la composición y los patrones. Rita Mae creó su primera colcha completa a los catorce años, y ha continuado los principios estéticos que le impartieron sus consumados antepasados. Su hija, Louisiana (Pettway) Bendolph, por su parte, ha llevado estos enfoques hacia nuevas fronteras de diseño. Las colchas de Pettway se han expuesto ampliamente y están representadas en museos como el Museo de Arte de Virginia. 

Mary T. Smith (n. 1904, Condado de Copiah, MS; f. 1995, Hazlehurst, MS) fue una pintora estadounidense cuyas poderosas imágenes expresionistas de si misma, su familia y amigos, plantas y árboles y de sus mascotas y animales se crearon para adornar su casa y la propiedad al borde de la carretera que tenía en Hazlehurst, MS. Nacida en el condado de Copiah, MS, fue hija de aparceros y creció bajo la segregación de Jim Crow en el Sur. Básicamente sorda de nacimiento, estuvo casada brevemente y tuvo un hijo, trabajando como sirviente doméstica. Smith vivía sola y se dedicó a la pintura tarde en la vida, tanto como una forma de identificarse y expresarse en el mundo. Creó casi todos los cuadros que sobreviven cuando tenía setenta y ochenta años. Mientras que sus temas son con frecuencia locales en su evocación de la existencia cotidiana y a veces devotamente religiosos en su proclamación del amor y el cuidado divinos, la mezcla de humildad personal y audacia estilística de sus cuadros tiene una resonancia tácitamente política. Los cuadros de Smith se encuentran en la colección permanente del Museo Metropolitano de Arte y otras instituciones. 

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